ESCULTURA RENACENTISTA

-DONNATELLO  nació en Florencia y fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado. Donatello representa  figuras de distintas edades y pueden estar desnudas o vestidas. Entre sus obras mas destacadas está El David

- El David

Se encuentra en el museo nacional de Bargello. Florencia. Siglo XV

El material empleado es el bronce mediante la técnica de la fundición.

El tema iconográfico es la recogida de un hecho del Antiguo testamento, la lucha  de David contra Goliat, donde David resulta vencedor y aparece pisándole la cabeza a Goliat. También  representa un hecho histórico, el enfrentamiento entre Florencia y el ducado de Milán donde Florencia parece representado en el casco y  Milán en el yerme.

La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la "curva praxiteliana" o contraposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo. Consiste en representar la figura con una pierna ligeramente flexionada, innovación que se atribuye al escultor Policleto.

Incorpora a esta escultura el desnudo. El tratamiento anatómico se centra en el estudio de los músculos pectorales y abdominales, jugando con la luz. El modelado muscular es muy suave, difuminado y casi femenino.

-GHIBERTI fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento. Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador y Brunelleschi, el otro finalista.

Su gran obra es las puertas del paraíso. Ghiberti tuvo que fragmentarlas en 28 tréboles de 4 hojas y desarrollar en estos compartimentos 20 escenas del nuevo testamento mas 8 imágenes de los evangelistas que sitúa en el zócalo. Tras entregar esta obra, le confían hacer las terceras puertas. Los cambios que hizo afectaron al diseño, al tratamiento del relieve y a las fuentes de inspiración. Optó por 10 espacios cuadrados que le permitían tratas con mayor amplitud las escenas del Antiguo testamento. Finalmente en los marcos con reproducciones de esculturas griegas muestra el aspecto con el que el nuevo arte observaba la antigüedad y la naturaleza. Haciendo galán de su dominio de la técnica del schiacciato, coloca las figuras que están en primer plano con mayor volumen mientras que las que se encuentran en el fondo aparecen con un suave relieve. Miguel Ángel consideró las puertas dignas de figurar a la entrada del paraíso



-MIGUEL  ÁNGEL  Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Su obra escultórica mas importante es El David.  Es del siglo XVI. Escultura de bulto redondo encargada por la familia medicis para que presidiera una plaza. El autor esculpe en bloque de mármol de carrara ya devastado. El personaje dirige sus ojos hacia el horizonte, con una mirada reflexiva cargada de fuerza. El David de Donatello muestra la acción de la batalla ya concluida mientras que el David de Miguel Ángel  prefiere mostrar el momento anterior a que esta se desarrolle. Tiene la cabeza y la mano en desproporción con el cuerpo aunque miguel Ángel persigue un perfecto conocimiento de la anatomía humana.
La técnica que sigue es realizar un boceto a lápiz, a continuación lo hace en barro y por último lo desbasta. El joven aparece desnudo, arrogante, musculoso y concentrado por la acción que va a realizar. Hay movimiento en potencia. La figura utiliza el contraposto de Policleto del periodo clásico griego y encontramos la cabeza girada, esto lo hace para que rodeemos la figura entera para poder contemplarla.

ARQUITECTURA CINQUENCENTO

Donato Bramante   nació el año 1444 cerca de Urbino. Al principio se formó como pintor. En 1482 se instaló en Milán y comienza su carrera como arquitecto. Sus proyectos en Milán son Santa María presso San Sátiro y la cabecera de la iglesia  de Santa María delle Grazie.
En 1499 tras la caída del duque Ludovico Sforza Bramante se traslada a Roma, donde trabaja para el papa Julio II.
En Roma influenciado por las ruinas de la antigüedad clasica, evoluciona hacia un estilo más monumental y austero. Una de sus primeras obras romanas es el Templete de San Pietro in Montorio (1502).
Al año siguiente (1503) es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y el proyecto de la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano.

- San Pietro in Montorio

Roma, siglo XV
La planta central es circular, con una columnata que envuelve a la cella, que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo, que simboliza la iglesia militante. En la planta hay un crepidoma, que son tres escaleras que representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.
En cuanto al alzado, se levanta sobre una escalinata, seguida de un corto podium sobre el que se eleva la columnata de dieciséis columnas  de orden toscano o dórico romano, sobre el que aparece un entablamento dórico  decorado con metopas y triglifos, coronado por una balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto repetida 4 veces. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior articulado por medio de nichos de remate semicircular, que alterna con vanos (puertas y ventanas) adintelados, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo. El cilimdro por encima de la balaustrada adopta un tambor con ventanas abiertas y termina en cúpula semisférica con esfera y cruz.

Esta articulación se dispone rítmicamente, partiendo de la existencia de cuatro puertas en los extremos de dos ejes del círculo que se cruzan perpendicularmente.
Justo debajo del altar mayor está la cripta, donde supuestamente estaba clavada la cruz de san Pedro. Esta cripta simboliza el martirio del apóstol.
Se ha considerado esta obra como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y su austeridad decorativa.

MANIERISMO

-Jacopo Vignola nació en Italia y fue un destacado arquitecto y tratadista del Renacimiento italiano. Estudió pintura y arquitectura en Bolonia. Inició su formación como pintor y llegó a la arquitectura a través del estudio de la Antigüedad, siendo ayudante de Peruzzi. Influido por Leon Battista Alberti y por Antonio da Sangallo así como por la tradición renacentista, fue el máximo exponente del periodo de transición del renacimiento al Barroco, considerándosele manierista.

Entre sus obras arquitectónicas mas importantes destaca la iglesia del Gesú:
Inspirada en la Iglesia de San Andrés de Mantua. Se encuentra en Roma. Pertenece a la arquitectura manierista del siglo XVI.
La fachada no la realiza Vignolas sino Qiaccomo della porta, tomando de referencia el proyecto que propuso vignolas.
La planta es de cruz latina con nave central y en el crucero se coloca una cúpula.En lugar de naves laterales hay una serie de capillas interconectadas detrás de entradas en forma de arco,^[] cuya entrada está controlada por balaustradas decorativas con rejas. Los transeptos quedan reducidos a esbozos que enfatizan los altares en los muros del fondo. Las columnas de este edificio son gigantes por la influencia del manierismo.
En la fachada encontramos tres puertas abocinadas  enmarcadas con un pequeño frontón. Las pilastras adosadas al muro descansan sobre un entablamento  y en al parte superior de éste un gran frontón triangular. Finalmente  en el último tramo del muro vemos en los laterales aletones con la finalidad de contrarrestar los empujes laterales, y en al cumbre del muro un gran frontón triangular.
El rasgo más llamativo de la decoración interior es el fresco del techo

ARQUITECTURA QUATROCENTO

Brunelleschi, Filippo (1377-1446). Genial arquitecto, orfebre, ingeniero y constructor de máquinas, fue el descubridor de la perspectiva moderna. Buen conocedor de matemáticas y geometría, inventó nuevas técnicas constructivas. Se inspiró en modelos arquitectónicos paleocristianos, romanos y góticos, pero racionalizándolos. Algunas de sus obras son: las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito, la capilla Pazzi, la logia del Hospital de los Inocentes, el palacio Pitti, así como la obra estudiada, todas ellas en Florencia.

-Santa María de las Flores Florencia
 Es del siglo XV, arte y arquitectura renacentista del Quattrocento.
El material empleado es el bloque de piedra. Aúna la planta basilical con la central y esta inspirado en el Panteón de Roma.
Santa María de las Flores es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.

Iglesia gótica de 3 naves que se inicia con una cabecera renacentista. El la cabecera coloca tres absidiolos con doble finalidad: la primera contrarrestar el empuje lateral de la cúpula y la segunda para crear un espacio mas amplio y diáfano. Doble cúpula hemisférica en el interior y en el exterior una ligeramente apuntada sobre un tambor octogonal calado por ventanas. En la parte inferior hay una linterna con al finalidad de iluminal. Hace una doble cúpula interior cilíndrica y la exterior cinchada por ocho nervios. La cúpula corta la nave con el crucero  y esta formada por 8 lunetos triangulares que se curvan sobre aristas de mármol.
Los problemas que representaba el muro, llevó a Brunelleschi a realizar una segunda cúpula de sección poligonal de 8 lados y apuntada que se encargase de neutralizarlos.
La cúpula exterior e interior se unen mediante gruesas piedras colocadas en la base de la misma.

León Battista Alberti fue sacerdote, Secretario Personal de tres Papas , humanista, arquitecto, proyectó edificios aunque nunca dirigió sus obras, matemático, y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las figuras del humanismo y personalidad artísticas teórica más polifacéticas del Renacimiento.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones,
 Entre sus obras destaca el Palacio Rucellai, Santa María de Novela y San Andrés de Mantua

-Santa María de Novela
Siglo XIV, Florencia. Le encargaron que terminase la fachada. La idea principal es la proporción y la medida.
3 naves, la nave central mas alta que las laterales. Forma parte del mundo Grecoromano.
La fachada de mármol se encuentra entre las obras más importantes del Renacimiento florentino. Se finalizó en 1480. Por encargo de la familia Rucellai Leon Battista Alberti, diseñó la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada, en mármol blanco y verde oscuro .Alberti armonizó los elementos previos góticos con los nuevos, puramente renacentistas. Las incrustaciones bicolores se inspiran en el románico florentino, en concreto en la basílica de San Miniato al Monte. Alberti también ideó las dos volutas que permiten salvar la distancia existente entre la nave central y las laterales. La voluta de la derecha fue recubierta de mármol posteriormente.
La fachada consta de dos volutas que unen el cuerpo central con los laterales, dando así proporción y armonía a la obra, que al fin y al cabo, es la característica principal del renacimiento. El empleo de un frontón clásico es otro elemento.La relación armónica entre el ancho cuerpo inferior y el, mucho más estrecho, cuerpo superior de esta fachada, la resolvió el arquitecto con las dos volutas ya mencionadas. Se puede observar el empleo de muchas formas geométricas en la obra, como los cuadrados que hay entre las pilastras de la parte superior de la fachada; círculos, como los que hay en las volutas y en el frontón. La fachada tiene un arco de medio punto característico de la arquitectura clásica. En el semicírculo delimitado por los capiteles de las pilastras y el arco de medio punto, hay representada una moldura con una escena religiosa. Al mismo tiempo, la combinación de rectángulos y los materiales empleados, de acuerdo con la tradición medieval florentina, prestan particular belleza al conjunto. Se recuperan las superficies con incrustaciones geométricas del románico florentino, de San Miniato.
Decora la fachada utilizando el pódium y al columna. En la parte interior separa dos plantas y sobre una columna cae un entablamento del que arranca un pódium, a partir de aquí arranca la segunda planta con un gran rosetón sin vidriera. En la parte superior del edificio vemos un frontón con tondo. La luz es unitaria.

PINTURA FLAMENCA

-LOS ESPOSOS ARNOLFINI.

Pertenece a la pintura flamenca hecha por Jan Van Eyck en el siglo XV. Pertenece a la etapa de los primitivos flamencos y se encuentra en el National Geografic de Londres.

Jan Van Eyck es un comerciante italiano. Su familia vive en Flandes y su nivel económico es alto por lo que pertenece a la alta burguesía

La técnica empleada es óleo sobre tabla. El tema iconográfico es que representa un acto social; el enlace matrimonial  entre dos personas y en el espejo aparecen representados dos testigos.

Como características del cuadro encontramos la búsqueda del espacio pictórico, de la dimensión y de la profundidad y lo consigue con al distribución y composición de los personajes.

Compuesto por un eje central que parte de la lámpara, a ambos lados están los personajes principales. Separa los personajes dejando un espacio y así nos lleva hasta el final de la sala. Arriba tenemos dos líneas de fuga y abajo también que unidas dan un cuadro que incluye el espejo y da profundidad.

El espejo aparece por primera vez, luego lo veremos en el barroco, y se ve a los esposos de espaldas. En este cuadro predomina el dibujo sobre el color, gracias al óleo. El dibujo es minucioso. Los tres colores que dominan son el verde, el marrón y el rojo. Los colores debido a la nueva técnica son mucho más brillantes que la tempera.

 El pintor flamenco busca plasmar la realidad, por ejemplo, es un cuadro que nos esta plasmando  un acto social.

En la composición se ve a Arnolfini que esta descalzo como símbolo de la humildad, el perro es el símbolo de la fidelidad  y por ultimo  aparece en una esquina frutas que simbolizan riqueza. La alfombra persa del suelo nos muestra riqueza y también hace perspectiva.

La joven es una crónica de la mujer flamenca de la época, lo vemos en el peinado. La mujer no está embaraza, sino que se aprieta la falda y se le marcan las caderas. La luz es una luz conceptual  y  hay un elemento que siempre aparece y que nos ilumina la escena

PINTURA ITALIANA

-EL BESO DE JUDAS

Esta imagen pertenece al siglo XIV. Recibe el nombre de beso de judas. Esta hecho por el Giotto  y pertenece a la escuela florentina. Se localiza en la capilla de Scrovegni.

La técnica empleada es pintura al fresco. El tema iconográfico es el pasaje del nuevo testamento donde se narra el beso de judas cuando delata a Cristo en el monte de los olivos.

Las características del cuadro es la búsqueda del espacio pictórico, los recursos empleado son:  La composición: el tema principal es el beso de judas y por esto se coloca en el centro. En los lados coloca una diagonal con una multitud  de personajes. Introducción del paisaje al fondo marcando un plano detrás de la multitud. Colocación de los personajes de espalda, creando un círculo y multiplicando los planos, dando espacio.

Hay equilibro entre el dibujo y el color. Los colores son cálidos , tan solo el fondo es frio ya que interpreta el cielo.

La escena está iluminada con un foco de luz irreal, inventada por el pintor. Existe movimiento  y comunicación entre los personajes.

ARTE Y ARQUITECTURA GÓTICA

CATEDRAL  DE LEÓN

Esta imagen se corresponde con la catedral de León, pertenece al gotico español del siglo XIII y se sitúa en la propia ciudad de León.

Este edificio tiene una planta de cruz latina propia del gótico con una estructura ad  triangular, dividida en tres naves con un amplio transepto dividido en tres naves que dan lugar a dos puertas laterales, las  naves laterales se juntan por detrás  dando lugar a una doble girola.

El arco que posee todo el edificio es el arco ojival y las bóveda es de crucería.

En cuanto a la cabecera, además de una doble girola podemos encontrar cinco absidiolos, ábsides y capillas entre los contrafuertes. La planta tiene una influencia de la catedral de Reims y de Chartres en el alzado.

En el alzado encontramos dos torres integradas en la fachada. En el primer piso encontramos 3 puertas abocinadas compuestas por parteluz, jambas, dintel y arquivoltas. La puerta principal y de mayor  tamaño está dividida por un parteluz en el que se encuentra la virgen blanca. En el segundo piso se encuentra un gran rosetón con tracería gótica vidriada, que aporta luz al interior del edificio. En cuanto a las torres de planta cuadrada, en el ultimo tramo están abiertas con grandes vanos, terminando en grandes chapiteles, uno de ellos calado.

En el interior encontramos que la tribuna a desaparecido. Esta catedral se caracteriza por la gran cantidad de vidrieras que posee.