jueves, 14 de abril de 2011

ESCULTURA BARROCA

BERNINI   
-Apolo y Dafne







Siglo XVI. Arte y escultura barroca. Galería borghense. Bernini. Es una obra escultórica encargada por la familia borghense para la villa.
La técnica empleada es el mármol blanco mediante la talla. El tema iconográfico que nos presenta Bernini es cuando Apolo convierte a Dafne en Laurel, inspirado en un fragmento de la metamorfosis de Ovidio.
Lorenzo Bernini nació en - Roma y  fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco
Como característica de la escultura tenemos la representación de un momento culminante porque presenta un momento de máxima expresión en los ojos y la cara. Consigue el movimiento a través de la curva serpentinata, otra de las características escultóricas barrocas. Te muestra las distintas partes del cuerpo con esta curva. Esta escultura esta hecha para estar pegada a la pared. Vemos que los pies de Dafne se están convirtiendo en Laurel. Aquí podemos observa una doble textura: la superficie inferior de Dafne es rugosa mientras que su piel esta perfectamente pulida. La obra representa dos cuerpos con formas bastante alargadas y desproporcionadas, influencia del manierismo. Los paños que tienden a volar con pliegues angulosos que va a recogerse, crean los entrantes y salientes que dan el claro oscuro.  
Bernini y el resto de sus obras escultóricas lo componen el rapto de Proserpina y el David.

ESCURTURA RENACENTISTA

 -JUAN DE JUNI

    *Entierro de cristo

Siglo XVI. Museo nacional de escultura.
El tema iconográfico  que presenta es el entierro de Cristo. La técnica empleada es la madera policromada y utiliza también la técnica del estofado.
Juni va demostrando  una gran capacidad para trabajar indistintamente la piedra y la madera, un gran interés por las anatomías corpulentas, rotundas y fuertes, envueltas por voluminosos paños, realmente distintos de los cuerpos nerviosos y fibrosos de berruguete. Las expresiones de los rostros son dramáticas, pero en cualquier caso bastante mas acertadas que las de Berruguete.
El conjunto está compuesto por siete figuras de tamaño mayor que el natural, independientes cada una salvo el grupo formado por la Virgen y San Juan. Todos los componentes están situados en  una puesta en escena teatral y muy atractiva para el espectador. Cada personaje tiene su cometido y así lo demuestran en las actitudes y en los objetos que portan.
En el centro se halla la figura de Cristo yacente, depositado en lo que será su ataúd. Los demás personajes lo adoran. En la esquina de la izquierda y muy cerca del espectador, José de Arimatea muestra con gran patetismo una espina de la corona que se había quedado clavada en la cabeza de Cristo. En la esquina contraria está Nicodemo que parece dialogar con María Magdalena. Su mano izquierda reposa en una jarra y con la derecha sostiene un paño con el que se supone está limpiando el cuerpo del fallecido. Tras él y de pie está María Magdalena que se inclina con dolor y cariño hacia el cuerpo mientras sostiene en su mano izquierda el tarro . En el centro y detrás del yacente se encuentra el grupo de María y Juan; María se inclina entristecida hacia su hijo mientras Juan acude cariñoso a consolarla. Finalmente, y detrás de José de Arimatea puede verse de pie la figura de María Salomé que sujeta con su mano derecha un paño de limpieza y con la izquierda la corona de espinas que acaban de sacarle al Cristo. El equilibrio del conjunto es perfecto.
Lleno de expresividad en rostros y gestos. Movimiento  en los ropajes ya que juega con una luz para conseguir los tonos mas oscuros. Los personajes de dos en dos en torno al sepulcro de Cristo para dar profundidad.

EL GRECO: DOMÉNIKOS THEOKÓPULOS

       *Entierro del conde de Orgaz

Siglo XVI. Iglesia de santo Tomé (Toledo). Es un  cuadro manierista. Esta  encargado por el párroco de la iglesia de Santo Tomé.
 La técnica empleada es el oleo sobre tabla y el tema iconográfico que nos presenta es el entierro del conde de Orgaz.    
Nació en 1541 en la localidad de Candía. Es uno de los artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo. Introduce en sus obras el horror vacuo, las figuras alargadas y recortadas y la curva serpentinata entre otras muchas cosas
                                                                                                                                                                Esta obra se puede dividir en dos partes. En la parte inferior  los hechos que se desarrollan tienen lugar en la Tierra y en la parte superior se representa el cielo.En la parte inferior se ve que la Tierra está produciendo el milagro: el cadáver del conde de Orgaz, está siendo recogido  por los dos santos, escena que es contemplada por todos los hombres insignes del momento en los que se puede ver al propio Greco. Algunos de los personajes elevan su mirada al cielo y con esto contribuyen a que haya más comunicación entre ambos mundos.En la parte superior observamos como la virgen alarga  uno de sus brazos para recibir el alma del conde, mientras que san Juan, vestido con la característica piel de camello, ruega a Cristo por el alma de este siervo. La corte celestial está formada por los santos, Ángeles y mártires que presencian la escena. El punto de vista que nos presenta es desde arriba para llegar finalmente a la imagen de Cristo. En esta obra encontramos características manieristas como puede ser  el horror vacuo, los personajes recortados en los extremos y los  personajes de espalda y en escorzo. 
Hay comunicación visual entre los dos mundos por parte del sacerdote y la vara que une el mundo espiritual y el terrenal.                                                                                                                  
Las formas están conseguidas mediante la utilización del color y la luz casi sin dibujo. La luz es una luz irreal (antorchas que iluminan), el autor las pone para llevar el punto de vista hacia los dos puntos importantes del cuadro; para dar volúmenes y calidades a los ropaje. Existe la presencia de un niño pequeño que nos mira y nos adentra hacia el cuadro.
Otras de las grandes obras del Greco son La trinidad y  el entierro de Cristo.

ARQUITECTURA RENACENTISTA PERIODO CLASICO:

PALACIO DE CARLOS V

Siglo XVI. Palacio de Carlos V. Arte y  arquitectura renacentista clasicista español.Se encuentra en el interior de la alhambra de Granada.
Mandado hacer por Carlos V de España a Pedro Machuca. El material utilizado es paramentos almohadillados y picados.

Compuesta por una planta centra  a la que se le añade un patio circular, La unificación de estas dos plantas representa la unión de lo celestial con lo terrenal. Podemos observar también que en uno de sus extremos coloca una capilla de planta octogonal. Esta capilla nos recuerda a la capilla  de Aquisgrán.
El patio circular interior se encuentra entero porticado. El primer piso es de orden toscano y el segundo, es de orden jónico. La cubierta del primer piso está realizada mediante una bóveda, sin embargo la segunda está cubierta de forma adintelada.


En el exterior encontramos dos fachadas. La fachada meridional que corresponde a la entrada de Isabel de Portugal, esposa de Carlos V y  la  fachada occidental que corresponde a la entrada del emperador.

La fachada del emperador se divide en dos pisos por cornisas. En el primer piso encontramos tres vanos de acceso, el central mas grande que los laterales, se encuentra adintelado, sobre el dintel encontramos un frontón triangular, sobre el cual se encuentran dos esculturas correspondientes a dos victorias. Los vanos laterales se encuentran también adintelados sobre el dintel ménsulas, en las cuales descansa el frontón triangular también decorado, sobre los frontones, tondos con relieves. Los elementos sustentantes de la fachada son  medias columnas toscanas que arrancan desde un pódium en el cual se narran las hazañas de Carlos V, sobre las columnas descansa un entablamento que corresponde también al orden toscano. En el segundo piso, encontramos un esquema similar. Se divide en tres calles las cuales corresponden con las calles divididas en el primer piso, pero el vano central posee las mismas dimensiones que el de los laterales. Los vanos se encuentran adintelados y los frontones sobre ménsulas. Los frontones laterales son semicirculares  y el del centro es triangular. Sobre los frontones encontramos grandes tondos con relieves. La división de las calles se realiza con pares de columnas de orden jónico sobre un pódium, el cual no está decorado, las columnas sostienen un entablamento jónico, sobre el que descansa una cornisa volada, que sobresale.

El resto de la fachada  se divide también en dos pisos. El primer piso, construido con un paramento almohadillado se compartimenta por pilastras simuladas. En estas divisiones encontramos dos vanos, el inferior se encuentra adintelado de forma simulada y el superior es un vano circular. El segundo piso está compartimentado con pilastras adosadas al muro de orden jónico. En estos compartimentos encontramos vanos abiertos al exterior adintelados con frontones sobre ménsulas o sobre las ménsulas elementos decorativos. Estos dos tipos se realizan de forma alternativa. Encima de los frontones encontramos vanos abiertos al exterior. Las pilastras sustentan un entablamento.



PINTURA RENACENTISTA ITALIANA CINQUECENTTO

*MIGUEL ÁNGEL.
*La creación de Adam

Siglo XVI. Se encuentra dentro de la capilla Sixtina, concretamente en la bóveda.
Miguel Ángel fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos




Es una pintura al fresco cuyo tema iconográfico es dentro del tema común de la capilla Sixtina es la creación de Adam.


Como característica del cuadro tenemos la búsqueda del espacio pictórico. Lo consigue con la composición y distribución de los personajes .Se dividen en dos grupos. Los personajes mas importantes en primer plano y los de menor importancia atrás. Adam aparece recostado sobre su brazo derecho. Con esta postura semi lateral consigue profundidad. El punto de vista que emplea es desde arriba. Utiliza la perspectiva aérea puesto que estamos en el cinquecento, consiste en difuminar los contornos a medida que se avanza en el paisaje.


Interpreta a la figura humana definida. Los músculos los interpreta rotundos, musculosos y fuertes. El cuerpo aparece desnudo por la influencia que ha recibido al ver el laoconte y que se vera reflejada a su vez en el moisés.


 En este fresco domina el dibujo sobre el color. Los colores son cálidos. En cuanto a la luz podemos decir que es una luz conceptual y que  ilumina lo que el autor quiere resaltar.


Las pinturas que realiza Miguel Angel son las que se encuentran dentro de la Capilla sixtina, obra arquitectonica que tambien realizó el. destaca  La cracion de Adam y Adam y Eva.


Este periodo esta lleno de grandes autores: Leonardo da Vinci con La anunciacion y la adoracion de los reyes magos y Rafael Sanzio con Los desposorios de la virgen y las 3 gracias

PINTURA RENACENTISTA ITALIANA CUATTROCENTO

FRA ANGÉLICO
·         La anunciación.



Siglo XV. Museo del prado. Madrid. Pintura renacentista del Quattrocento.
Fran angelico nació en el siglo XIV en Florencia. Fue un pintor renacentista italiano de quatrocento. Su temática era religiosa. Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti  y Donatello, que trabajaban en Florencia
La técnica empleada es el óleo sobre tabla, técnica que comenzamos a ver en la pintura de los primitivos flamencos. El tema iconográfico que nos presenta  son dos escenas: La primera escena es cuando el ángel expulsa a Adam y Eva del paraíso por haber cometido el pecado original y la segunda escena es la anunciación del ángel ante la virgen maría.
Como característica del cuadro tenemos la búsqueda del espacio pictórico. Lo consigue con la composición y distribución de los elementos del cuadro. Compuesto en dos escenas. El tema iconográfico ocupa gran parte de la tabla. Los personajes principales están a mayor tamaño. El punto de vista que nos ofrece el autor es desde abajo.  Para conseguir la profundidad utiliza la perspectiva lineal, cuanto mas alejados están los personajes mas pequeños se representan, esto lo podemos ver en Adam y Eva
 Hay equilibrio entre el dibujo y el color ya que estamos en la pintura del cuattrocento. los colores que predominan son los pasteles. En cuanto a la luz tenemos un foco de luz que ilumina lo que el pintor quiere resaltas y marca los volúmenes y calidades de los ropajes.
Otras obras y autores de este periodo son La primavera de Botticelli, El tributo de la moneda de Massacio, Andrea  Castagno y Piero della Francesca con la virgen, los santos y Federico montefeltro entre otros.